サムネイル|アルバータ美術館（カナダ）にある、コンクリートの床を備えた「ホワイトキューブ」空間 ホワイトキューブ・ギャラリー（White cube gallery）とは、正方形または長方形の形状を持ち、装飾のない白い壁と、通常は天井に設けられた光源を備えたギャラリーの形式である。
通常、床には無垢材または磨かれたコンクリートが用いられる。
解説 20世紀初頭には、バウハウスやデ・ステイルなどのモダニズム運動において、装飾を抑えた単純な形態や色彩が重視されるようになった。1920年代末以降、ニューヨーク近代美術館（MoMA）の初代館長アルフレッド・バーは、ヨーロッパの美術館やギャラリーなどを参考に、装飾のない壁面を背景として作品を間隔を空けて展示する方法を発展させた。この展示方法は、後に「ホワイトキューブ」と呼ばれる美術館・ギャラリー空間の形成と普及に大きな影響を与えた。
1883年にロンドンのファイン・アート・ソサエティで開催されたジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの展覧会は、おそらく最初の「ホワイトキューブ」型の展覧会であったとされている。この展覧会では、作品が白い額縁に収められ、白いフェルトの背景に掛けられていた。 サムネイル|ロンドンのワディントン・カストーにある、無垢材の床を備えたホワイトキューブ空間 1976年までには、ホワイトキューブの美学はブライアン・オドハティによって、モダニズムの強迫観念として批判されるようになった。『Inside the White Cube: The Ideology of the Gallery Space』において、彼は、イーゼル絵画において額縁とは、そこから世界を見るための窓であり、そのためには文脈を与える壁が必要であると論じた。額縁がなくなり、壁が白くなると、オドハティの見解では、遠近法と形式的構成が失われるのである。オドハティは、モネの絵画における平面性が画面の縁を示す線を侵食していくと説明し、ホワイトキューブが絵画平面そのものを再定義するものだと捉えている。
オドハティによれば、もはや白い壁を単に美術作品の額縁として利用するだけでは不十分であり、モダニズムにおいては、その空間を利用し、そこを満たすために、作品そのものを再定義することが必要となったのである。彼は、鑑賞者は「私はどこに立つべきなのか？」と問わなければならない、と記している。
オドハティは、白い空間を取り巻く文脈が、地理との結びつきから切り離されていった20世紀の社会を反映していると論じている。ポストモダニズムにおいて、彼は芸術が難解で、高価で、排他的なものになるよう仕組まれていると捉えている。
オドハティにとって、ホワイトキューブの空間とは、社会的・経済的・知的なスノビズムが設計された空間であり、そこでは美術作品が広大で高価な空間を占有することを求められる。彼は、白い壁が持つ中立性は一種の幻想であり、それによって芸術家とエリートの鑑賞者とが結びつけられていると考える。
一方で、このキューブという空間は、芸術家が社会から疎外されているという状態を受け入れることでもある。そして、ギャラリー空間を受け入れる芸術家は、結果として社会秩序に順応しているのである。
2003年、現代美術コレクターであるチャールズ・サーチはホワイトウォール・ギャラリーという概念を批判し、それを「消毒されたような（antiseptic）」空間であり、「美術館の流行によって規定された……時間の歪んだ空間（time warp）」と呼んだ。
2015年に執筆した美術評論家ジョナサン・ジョーンズは、かつては「スタンリー・キューブリックの宇宙ステーションのように真っ白で純粋なギャラリーに足を踏み入れることには、真の衝撃があった」と感じていたが、その様式はその後、ありふれたものとなり、刺激を失ってしまったと述べている。
The White Pube（ホワイト・ピューブ）は、ザリナ・ムハンマド（Zarina Muhammad）とガブリエル・デ・ラ・プエンテ（Gabrielle de la Puente）によるイギリスの美術評論家デュオである。2015年に活動を開始し、ウェブサイト「The White Pube」を通じて現代美術の批評を行っている。名称は、現代美術の展示空間を指す「ホワイト・キューブ（White Cube）」を、陰毛を意味する俗語「pube」に置き換えたものであり、ホワイトキューブをはじめとする美術界の慣習やエリート主義を批判・風刺する意図を含んでいる。